Кинетическое искусство (кинетизм) – это художественное направление, возникшее в Париже в середине 20 века, которое объединяет физико-пространственное движение как композиционный элемент. Понятие кинетического искусства распространяется на все произведения, основанные на физическом или виртуальном движении, которые могут включать некоторые выражения оптического искусства. Однако не все оптическое искусство кинетично. Чтобы арт-объект был кинетическим, движение должно быть в центре внимания.
Предпосылки возникновения направления
Как и многие эстетические тенденции, кинетика проявилась в прозаической творческой культуре задолго до ее появления в изобразительном искусстве. Вероятно, самым ранним примером кинетизма можно считать колокольчик, известный еще 5000 лет назад по всей Юго-Восточной Азии. Тогда никто не рассуждал категориями того, как купить и продать картины и предметы искусства в стиле кинетизм, колокольчики просто имели важное религиозное значение. Но уже в те времена можно отследить зарождение самой сути кинетического искусства: движения, которое притягивает внимание зрителей, эксперимент в режиме реального времени.
Большинство искусствоведов считают, что первым современным кинетическим художником был Марсель Дюшан, а его первым произведением в этом жанре стало «Велосипедное колесо». Объект представляет собой перевернутое велосипедное колесо, установленное на поверхности стула. Стоит отметить, что сам Дюшан не считал эту движущуюся скульптуру изящным искусством. Когда его спросили о замысле и процессе создании, художник ответил, что ему «понравилось на него смотреть, как на пламя, танцующее в камине». Но в этом и есть основа кинетизма в искусстве: когда движущийся объект вызывает неподдельный интерес.
Зарождение кинетического искусства
Кинетическое искусство сформировалось в 1920-х годах. Не секрет, что для того чтобы художественное движение вызывало ажиотаж и завоевало доверие интеллектуалов, полезно, если кто-то озвучивает его принципы и особенности письменно. Так сложилось с кинетизмом – в 1920 году русские художники-конструктивисты Наум Габо и Антуан Певзнер заявили о зарождение нового стиля.
Братья Габо и Певзнер опубликовали свой Реалистический манифест. В нем отмечалось, что художники отвергают тысячелетнюю ошибку, унаследованную от египетского искусства: иллюзию того, что статические формы – единственный элемент пластического творчества. Братья провозглашали новый элемент в пластическом искусстве: кинетические ритмы, которые отражают их восприятие реального времени.
За год до написания этого манифеста Габо, который также был квалифицированным инженером, создал объект, считающийся первой преднамеренной кинетической скульптурой. Он назвал произведение «Кинетическая конструкция». Произведение состояло из единственного металлического стержня, торчащего из деревянного ящика. Когда переключатель был активирован, механический двигатель приводил в движение стержень. Изделие получило прозвище «Стоящая волна» из-за того, что при активации имитирует формирование волны. Сейчас скульптура хранится в Британской галерее Тейт как первый в истории объект, представляющий кинетическое искусство. Купить на аукционе «Стоящую волну» нельзя, но, если бы это произошло, наверняка стоимость произведения исчислялась бы десятками миллионов долларов.
В дополнение к движущимся скульптурам Габо также создавал статические скульптуры, которые отражали эстетику движения – интерес, преследуемый им на протяжении всей карьеры. Как и все художники марксистской линии, Габо считал, что искусство должно иметь явную и функциональную ценность в обществе, а потому в своих работах демонстрировал передовые методы строительства и даже разработал сложные архитектурные схемы. Одним из самых важных открытий Габо как скульптора было то, что пустое пространство можно использовать как ключевой компонент композиции скульптуры.
Развитие кинетизма
Примерно в то же время, когда Габо и Певзнер вводили само слово «кинетический» в дискуссию о современном искусстве, американский дадаистский художник Ман Рэй был занят созданием своей собственной интерпретации кинетической эстетики. Как друг и коллега Марселя Дюшана, Ман Рэй определенно знал о «Велосипедном колесе» и, вероятно, знал о «Кинетической конструкции». Что отличает его усилия от обеих этих работ, так это то, что вместо использования двигателей или механизмов, таких как колеса, Ман Рэй стремился уловить органическое движение в своем искусстве. В 1920 году он помог Марселю Дюшану создать вращающиеся стеклянные пластины. Кинетический элемент становился очевиден, когда стабильность подвесок нарушалась ветром, толчками или прямым контактом с наблюдателем или объектом.
Тем временем художник венгерского происхождения Ласло Мохой-Надь создал объект из электродвигателей, подвижных панелей и электрических лампочек самых разных цветов. При активации можно было увидеть удивительное кинетическое взаимодействие цвета, света, движения и звука. Это стало началом движения люмино-кинетического искусства, а также представило концепцию использования электрического света как элемента скульптуры.
Выдающиеся мастера, творившие в стиле кинетизм
Можно ли считать, что движущийся промышленный станок – это кинетическое искусство? Продать на аукционе такой объект нельзя, а потому ответ очевиден. Разница между просто движущимся объектом и предметом искусства в стиле кинетизм заключается, в первую очередь, в том, кто и как создает и презентует предмет. У произведения всегда есть автор, идея, концепция, внутренняя эстетика, влияние на зрителя и, конечно, слава. Рассмотрим кинетическое творчество самых известных и выдающихся мастеров.
Владимир Татлин был центральной фигурой в зарождении русского конструктивизма. Объединив уроки аналитического и синтетического кубизма Пикассо и различных направлений футуризма, он создал объекты, охватывающие как скульптуру, так и архитектуру. Первоначально обученный традиционной манере живописца икон, он вскоре отказался от традиционной живописи и вместо этого сосредоточился на возможностях, присущих материалам, которые он использовал – металлу, стеклу и дереву. Прежде всего он хотел применить искусство к социальным проблемам и риторике нового постреволюционного государства. Его больше всего помнят за его памятник Третьему Интернационалу (1919-20), задуманный как проект штаб-квартиры Коммунистического Интернационала. Он был переработан в визуализацию большой модели, но так и не стал построенным зданием. Этот проект кристаллизовал его желание осуществить синтез искусства и технологий и с тех пор остается ключевым памятником этой утопической цели для поколений художников. Карьера художника воплощает тот дух авангардизма 20 века, который стремился заставить искусство служить повседневной жизни.
«Башня» Татлина стал большим вкладом в ленинский план «Монументальной пропаганды» – кампании по замене царских фигурных скульптур в общественных местах новыми проектами, посвященными героям революции и ее идеалам. Татлин рассчитывал, что по его проекту построят 400-метровую башня из железа и стекла, но из-за охлаждения руководства страны к авангардизму, памятник так и не был создан.
Александр Колдер был американским скульптором, наиболее известным своими инновационными мобильными устройствами. Работы Колдера впервые привлекли внимание в Париже в 1920-х годах, а вскоре были отмечены Музеем современного искусства в Нью-Йорке. Мастер стал новатором. Многие скульпторы и художники рисовали эскизы на бумаге, но Колдер был первым, кто использовал проволоку для создания трехмерных линейных «рисунков» людей, животных и предметов.
На следующем этапе своего развития Колдер перешел от образных линейных скульптур из проволоки к абстрактным формам в движении, создав первые мобильные объекты. Это были предметы из отрезков проволоки, закрепленные на центральных каркасах опорных проволок каркаса и уравновешенных по длине и на концах тонкими металлическими пластинами, дисками и ребрами. Внешний вид всей детали был организован случайным образом и постоянно менял композиционный вид просто потому, что составляющие двигались по отношению друг к другу. В течение его долгой карьеры масштабы этих мобильных скульптур были поразительно увеличены, и в них были включены массивные конструкции, кажущиеся невесомыми.
Виктор Вазарели, венгерско-французский художник и скульптор, считал, что искусство должно иметь функциональную цель в обществе, цель, которую он преследовал частично, исследуя пересечения между искусством и архитектурой. Он работал коммерческим графическим дизайнером и в конечном итоге сделал прекрасную карьеру мастера, известного своими яркими геометрическими композициями, которые мерцают и пульсируют. Вазарели наиболее известен сеткообразными картинами и скульптурами 1960-х годов, которые играют с чувством визуальной формы читателя, создавая иллюзорные эффекты пространственной глубины, перспективы и движения. Его работы были призваны сделать акт взгляда одним из ключевых предметов своей работы, исследуя различия между тем, что видит глаз, и тем, что есть на самом деле.
У нас вы можете узнать еще больше о выдающихся мастерах жанра, а также купить картины и предметы искусства в стиле кинетизм. «Аукционный дом № 1» – ваш надежный гид в мире искусства.